Et fritt pianotangentbord er et fullt tangentbord med ingenting lagt oppå: ingen fallende noter, ingen sang å holde tritt med, ingen poengsum som forteller deg at du var sen. Du trykker på tangenter, du hører toner. Det er hele funksjonen, og det er den folk hopper over.
Den tomheten er poenget. Å følge en sang lærer hendene dine en sti noen andre la ut. Et blankt tangentbord er der du begynner å legge ut din egen.
Hvorfor «bare å fikle» faktisk er å komponere
Hver sang du noen gang har likt startet som at noen fiklet litt. De fant et par toner som hørtes bra ut sammen, spilte dem igjen, og bygget videre derfra. Det finnes ikke noe hemmelig første steg som involverer teori. Teorien er en måte å forklare det som allerede hørtes bra ut, i etterkant.
Så den raskeste måten å begynne å skrive musikk er å senke innsatsen til den er borte. Sett deg ved et blankt tangentbord og spill dårlig med vilje i fem minutter. Et sted der inne treffer du to eller tre toner som får deg til å stoppe. Det er frøet.
En vei inn på fem minutter
Hvis du vil ha noe konkret å prøve, og du sitter ved en datamaskin akkurat nå, kan du gjøre alt sammen på vårt gratis piano på nett før du installerer noe som helst — bokstavtastene spiller notene.
Spill tre eller fire toner nær midten av tangentbordet, langsomt, i et lite mønster. Gjenta det til hånden din husker det. Hold det enkelt med vilje: to eller tre notelengder, små steg mellom tonene.
Hold nå én lav tone med venstre hånd under det. Den ene tonen gjør jobben til en hel akkord, og plutselig høres mønsteret ut som en del av noe.
Endre én tone i høyrehåndsmønsteret ditt og lytt til hva det gjør. Det er det. Det er å skrive. Du tar valg om hva som høres riktig ut, som er hele jobben.
Trikset er å ta opp mens du gjør dette, for gode tilfeldigheter forsvinner på sekunder. Spill det av igjen, og du fortsetter. Lar du være, har du glemt den beste biten til middag.
Hvordan tre toner blir til en ekte frase
Det du nettopp spilte har et navn. Arnold Schoenberg kaller det motivet, og i Fundamentals of Musical Composition behandler han det som stykkets kime: den lille figuren alt det senere vokser ut av. Rådet hans om å holde det enkelt er ingen innrømmelse til nybegynnere. Han peker på at Beethovens femte stort sett er bygget på en gjentatt tone, og at et grunnmotiv med for mange forskjellige rytmer og intervaller stappet inn i seg er vanskeligere å utvikle, ikke lettere.
Det du gjør videre, er den delen folk flest bommer på i begge retninger. Spill figuren om og om igjen uendret, og den blir til tapet i løpet av tjue sekunder. Endre alt ved den, og lytteren slutter å høre det samme stykket i det hele tatt. Schoenbergs svar, som han kaller utviklende variasjon, ligger mellom de to: gjenta figuren, men endre én mindre viktig ting hver gang og hold fast på delene som bærer identiteten dens.
I praksis, for en nybegynner som sitter ved et blankt tangentbord, betyr det:
Behold rytmen og flytt tonene. Spill figuren din nøyaktig som før, men start den én tangent høyere. Samme form, ny posisjon, fortsatt åpenbart den samme idéen.
Behold tonene og endre én lengde. Hold den andre tonen dobbelt så lenge. Figuren lener seg plutselig et sted.
Endre tonen under. La høyre hånd være i fred og flytt bassen i venstre hånd et par tangenter ned. De samme tre tonene betyr nå noe annet, fordi harmonien under dem er endret.
Rytmen er ankeret. Schoenbergs regel er at det å bevare rytmiske trekk er den mest effektive måten å holde et stykke sammenhengende på, så når en variasjon slutter å høres beslektet ut med det som kom før, er rytmen som regel det du mistet. Legg den tilbake, og forbindelsen kommer igjen.
Gjør det fire eller fem ganger, og du har ikke bare fiklet. Du har en frase, bygget slik fraser faktisk blir bygget.